Indiana Jones und der Tempel des Todes (1984)

Worum geht es in Indiana Jones und der Tempel des Todes?

Shanghai, 1935. Ein Jahr vor den Ereignissen des ersten Films. Indiana Jones entkommt knapp einem Giftanschlag des Gangsterbosses Lao Che und flieht mit der Nachtclub-Sängerin Willie Scott und dem zwölfjährigen Short Round in einem Frachtflugzeug.

Das Flugzeug stürzt über Indien ab. Ja, wirklich – die Piloten springen mit den Fallschirmen ab und lassen unsere Helden in einer Maschine ohne Treibstoff zurück. Klassischer Spielberg-Moment. Die Flucht in einem Rettungsboot, das einen Berghang hinunterrauscht, ist so absurd, dass man entweder die Augen verdreht oder laut lacht. Ich lache. Jedes Mal.

In einem verarmten indischen Dorf erfahren Indy und seine Begleiter von einem mysteriösen Kult, der die Kinder des Dorfes entführt und einen heiligen Stein gestohlen hat. Die Spur führt zum Palast von Pankot und zu den unterirdischen Tempeln der Thuggee – einer Sekte, die der Göttin Kali Menschenopfer darbringt.

Was folgt, ist – naja. Düster trifft es nicht ganz. Mola Ram, der Hohepriester, reißt einem Gefangenen bei lebendigem Leib das Herz aus der Brust. Der Mann lebt noch, als er in einen Lavasee hinabgelassen wird. Ich war zehn, als ich das zum ersten Mal sah. Hat mich tagelang beschäftigt.

Indy muss sich durch Kindersklaven, schwarze Magie und eine Verfolgungsjagd in Minenwagen kämpfen. Das Finale auf einer Hängebrücke über einem Krokodil-verseuchten Fluss? Ikonisch. Absolut ikonisch.

Wer spielt in Indiana Jones und der Tempel des Todes mit?

Harrison Ford kehrt als Dr. Henry „Indiana“ Jones Jr. zurück – der Archäologe mit Lederjacke, Fedora und einer Phobie gegen Schlangen. Kate Capshaw spielt Willie Scott, Ke Huy Quan ist Short Round, Amrish Puri verkörpert den unvergesslichen Mola Ram.

Willie Scott ist die perfekte Kontrastfigur. Kate Capshaw spielt sie als glamouröse Großstadt-Pflanze, die plötzlich in der Hölle landet – und genau das braucht der Film. Ihr Kreischen? Komödiantische Erleichterung inmitten der Dunkelheit. Spielberg wusste genau, was er tat – die beiden heirateten 1991 und sind bis heute zusammen.

Die eigentliche Entdeckung ist Ke Huy Quan als Short Round. Der vietnamesisch-amerikanische Kinderdarsteller bringt eine Energie mit, die den düsteren Ton ausbalanciert. Seine Chemie mit Ford ist echt – man kauft den beiden die Vater-Sohn-Dynamik sofort ab. Quan verschwand danach für Jahrzehnte aus Hollywood, bis er 2022 mit Everything Everywhere All at Once sein triumphales Comeback feierte. Oscar gewonnen. Mit 51. Manchmal ist Hollywood doch gerecht.

Amrish Puri als Mola Ram ist der Stoff, aus dem Albträume gemacht sind. Der indische Charakterdarsteller bringt eine Intensität mit, die weit über das hinausgeht, was das Drehbuch verlangt. Sein Blick, wenn er das noch schlagende Herz in Händen hält – das vergisst man nicht. Auch nach 40 Jahren nicht.

Wie entstand der Film?

Steven Spielberg und George Lucas befanden sich 1983 beide in schwierigen Lebensphasen. Lucas durchlebte eine Scheidung, Spielberg eine Trennung. Diese dunkle Stimmung floss direkt in den Film ein – und machte ihn zum umstrittensten Teil der Reihe.

Bei einem Budget von 28 Millionen Dollar [Box Office Mojo] entstand ein Film, der weltweit 333 Millionen Dollar einspielte. Ein gigantischer Erfolg. Das Opening Weekend allein brachte 25,3 Millionen Dollar – damals eine astronomische Zahl.

Die Dreharbeiten fanden größtenteils in den Elstree Studios in England statt. Warum nicht in Indien? Weil die indische Regierung das Drehbuch ablehnte. Die Darstellung des Landes und seiner Kultur empfand man als beleidigend. Nicht ganz unberechtigt, wenn ich ehrlich bin. Der Film zeigt Indien als exotische Kulisse voller Aberglauben und Barbarei. Das ist – um es diplomatisch zu sagen – problematisch.

Die alternative Lösung: Sri Lanka für die Außenaufnahmen, Pinewood Studios für die Tempelszenen. Die berühmte Minenwagen-Sequenz entstand komplett als Miniaturmodell – eine Meisterleistung von Industrial Light & Magic, die noch heute beeindruckt.

Lucas erklärte später gegenüber Empire: „Der Film war zu düster für PG, aber nicht düster genug für R.“ Dieses Dilemma sollte die Filmgeschichte verändern.

Warum erfand dieser Film die PG-13-Freigabe?

Am 23. Mai 1984 startete Temple of Doom mit einer PG-Freigabe in den amerikanischen Kinos. Zwei Wochen später folgte Gremlins – ebenfalls PG. Eltern waren entsetzt. Kinder weinten. Steven Spielberg griff zum Telefon.

Das muss man sich mal vorstellen: Der erfolgreichste Regisseur seiner Generation ruft den MPAA-Präsidenten Jack Valenti an und sagt im Grunde – „Wir haben ein Problem. Und ich hab die Lösung.“ Laut Hollywood Reporter schlug Spielberg vor, eine Zwischenstufe zwischen PG und R einzuführen. PG-13 oder PG-14, je nachdem wie man den Regler einstellen wolle.

Zwei Monate nach Kinostart von Temple of Doom wurde PG-13 offiziell eingeführt. Der erste Film mit dieser Freigabe war Red Dawn im August 1984. Temple of Doom selbst behielt sein ursprüngliches PG-Rating – ein kurioser Fußnote der Filmgeschichte.

Spielberg sagte der Associated Press: „Ich habe das Problem geschaffen, und ich habe auch die Lösung geliefert. Ich habe das Rating erfunden.“

In Großbritannien war man weniger gnädig. Die BBFC schnitt 1 Minute und 6 Sekunden aus dem Film, darunter die Herzriss-Szene und Teile einer Auspeitschungssequenz. Der Film wurde kurzzeitig in Indien verboten. Nicht gerade das Vermächtnis, das sich Lucas und Spielberg erhofft hatten.

Was macht Indiana Jones und der Tempel des Todes besonders?

Roger Ebert gab dem Film vier von vier Sternen und nannte ihn ein „Bruised Forearm Movie“ – einen Film, bei dem man sich vor lauter Anspannung selbst in den Unterarm krallt.

Der Roger Ebert beschrieb den Film als „eines der unerbittlichsten Non-Stop-Action-Filme, die je gedreht wurden.“ Und er hat recht. Der letzte Akt – vom Minenwagen-Chaos bis zur Brücken-Konfrontation – läuft geschätzte 45 Minuten ohne Atempause.

Die Minenwagen-Sequenz verdient besondere Erwähnung. Spielberg studierte dafür die Filme von Buster Keaton – und das merkt man. Es ist physische Comedy auf höchstem Niveau, vermischt mit echter Gefahr. Die Modellarbeit von ILM täuscht noch heute das Auge. Praktische Effekte, die 40 Jahre später besser altern als mancher CGI-Blockbuster.

Was den Film von Jäger des verlorenen Schatzes unterscheidet: Die Tonlage. Raiders war ein Abenteuer mit dunklen Momenten. Temple of Doom ist ein düsterer Film mit komödiantischen Einschüben. Dieser Unterschied spaltet die Fans bis heute.

Stärken und Schwächen des Films

Der Film brilliert in seinen Actionsequenzen und leidet unter seinem eigenen Ehrgeiz, düsterer und extremer zu sein als der Vorgänger.

Was funktioniert:

• Die Minenwagen-Verfolgungsjagd – pure Kinemagie
• Harrison Fords Präsenz – er IST Indiana Jones
• Amrish Puris Mola Ram – einer der unvergesslichsten Bösewichte der 80er
• John Williams‘ Score – „Slave Children’s Crusade“ ist unterschätzt
• Die praktischen Effekte – ILM in Höchstform
• Short Rounds Dynamik mit Indy

Was polarisiert (aber für mich funktioniert):

• Willie Scott – bringt komödiantischen Kontrast zum düsteren Ton
• Der harte Ton – nicht für jeden, aber genau richtig für die Geschichte
• Das Bankett – absurder Humor, der den Kulturclash unterstreicht
• Die Liebesgeschichte – Screwball-Comedy-Vibes statt großer Romantik

Auf Rotten Tomatoes erreicht der Film 77% bei Kritikern und 82% beim Publikum [Stand: Januar 2026]. Der Critics Consensus fasst es treffend zusammen: „Für manche zu düster, aber ein findiges Abenteuer-Spektakel.“

Vergleich mit den anderen Indiana Jones Filmen

Für mich ist Temple of Doom der Höhepunkt der Reihe – auch wenn die Mehrheit Raiders auf Platz eins setzt.

Der Vergleich mit Indiana Jones und der letzte Kreuzzug ist interessant. Last Crusade ging zurück zum leichteren Ton, brachte Sean Connery als emotionales Zentrum. Ein fantastischer Film. Aber hat er auch nur eine Szene, die so denkwürdig ist wie das Minenwagen-Rennen? Nein. Hat er einen Bösewicht wie Mola Ram? Auch nicht.

Temple of Doom traut sich was. Er geht dahin, wo es wehtut. Und genau deshalb bleibt er hängen – Jahrzehnte später. Das ist kein schwarzes Schaf, das ist der mutigste Film der Reihe.