Das wandelnde Schloss: Warum Fans ihn bis heute verteidigen (2004)

Der Walzer läuft, bevor irgendwas passiert

Joe Hisaishi hat für diesen Film ein Walzerthema geschrieben, das im Score in dutzenden Varianten wiederkehrt, und er setzt es schon über die ersten Bilder. 119 Minuten lang trägt diese eine Melodie den kompletten emotionalen Haushalt des Films. Ohne sie wäre die zweite Hälfte nicht zu retten.

Das ist bei Ghibli sonst anders verteilt. Bei Chihiros Reise ins Zauberland arbeiten Bild und Musik gleichberechtigt, da kannst du den Ton wegdrehen und verstehst immer noch alles. Hier nicht. Hier hängt die halbe Wirkung an einem Dreivierteltakt, und Hisaishi weiß das. Er zieht das Thema mal als Militärmarsch hoch, mal reduziert er es auf ein einzelnes Klavier, das klingt, als würde jemand im Nebenzimmer üben. Wenn Sophie am Ende die Treppe hochsteigt, ist es wieder da, breit, mit vollem Orchester, und ich sitze da wie beim ersten Mal.

Jutta aus unserem Kinokreis nennt sowas „Kitsch mit Handwerk“. Sie hat recht und es ist mir völlig egal.

Sophie ist neunzig. Das ist der ganze Trick.

Eine Hexe verflucht die junge Hutmacherin Sophie in eine über neunzigjährige Frau, und der Film macht daraus keine Tragödie. Sophie wird im selben Moment mutiger, lauter und deutlich weniger höflich. Die Verwandlung ist die Befreiung. Das war 2004 ein ziemlich radikaler Move.

Und dann kommt der Kniff, über den ich jedes Mal wieder staune: Sophies Alter schwankt. Nicht nach Drehbuchlogik, sondern nach Selbstbewusstsein. Wenn sie für sich einsteht, sieht sie plötzlich dreißig Jahre jünger aus, und niemand im Film kommentiert das. Kein Dialog, keine Erklärung, kein Zauberspruch. Die Animation erzählt das ganz allein, Einstellung für Einstellung. Achtet mal drauf, wenn sie mit dem König spricht.

Chieko Baishō spricht Sophie im japanischen Original, und sie spielt die Altersstimme so, dass man die junge Frau darunter noch hört. Das ist die Vision. Kein Vergreisungs-Effekt, keine Zittergreisin, sondern jemand, der in einem fremden Körper aufwacht und beschließt, damit klarzukommen.

Hosoda hat hingeschmissen, dann kam Miyazaki

Ursprünglich sollte Mamoru Hosoda von Toei Animation Regie führen. Er stieg aus, nachdem die Ghibli-Führung viele seiner Konzeptideen abgelehnt hatte, und das Projekt lag erstmal auf Eis, bis Miyazaki es selbst übernahm. Hosoda hat später „Das Mädchen, das durch die Zeit sprang“ gedreht und wurde damit ziemlich groß.

Man merkt dem Film diesen Bruch an. Miyazaki schrieb das Drehbuch selbst, nach dem Roman von Diana Wynne Jones aus dem Jahr 1986, und er hat dabei ziemlich frei zugegriffen. Der Krieg, der den halben Film beherrscht, steht im Buch überhaupt nicht drin. Figuren werden zusammengelegt und ganze Handlungsstränge fallen weg. Dafür bekommt die Welt Dampfmaschinen und Flugzeuge dazu. Wer den Roman gelesen hat, sitzt streckenweise vor einem anderen Stoff.

Animationschef war Kitarō Kosaka, produziert hat Toshio Suzuki. Alles handgezeichnet, mit ein paar digital gestützten Ebenen. Und ja, das sieht zwanzig Jahre später besser aus als das meiste, was aktuell durch eine Renderfarm läuft. Ich sage das ungern so pauschal, aber schaut euch das Schloss an, wie es läuft. Dieses hustende, wackelnde Blechvieh mit den Hühnerbeinen ist eine der besten Kreaturen der Filmgeschichte, und es wurde gezeichnet.

24 Millionen rein, 236 Millionen raus

Der Film kostete rund 24 Millionen Dollar und spielte weltweit etwa 236 Millionen ein, davon allein 190 Millionen in Japan. In den USA blieb er mit 4,7 Millionen Dollar auf 202 Leinwänden ein Nischenerfolg. In Japan holte er am Startwochenende 1,4 Milliarden Yen.

Die Preise kamen trotzdem: In Venedig gab es 2004 den Prix Osella, beim Mainichi-Filmwettbewerb den Titel als bester japanischer Film, in Sitges den Zuschauerpreis. 2006 folgte die Oscar-Nominierung als bester animierter Spielfilm. Gewonnen hat damals „Wallace & Gromit“.

Miyazaki hat zu dieser Nominierung eine Haltung eingenommen, die ich bis heute bemerkenswert finde. Er sprach von großem Zorn über den Irakkrieg und zögerte deshalb, einen amerikanischen Preis überhaupt anzunehmen. Dazu gleich mehr.

Die deutsche Fassung ist besser als ihr Ruf

Synchronisiert wurde bei der FFS Film- & Fernseh-Synchron in München, Dialogregie führte Frank Lenart. Die Fassung startete am 25. August 2005 in den deutschen Kinos, freigegeben ab 6 Jahren, und sie hat unter Fans über die Jahre einen schlechteren Ruf bekommen, als sie verdient. Sechs Rollen, sechs Stimmen:

• Sophie spricht Sunnyi Melles, was auf dem Papier komisch klingt und im Kino sofort aufgeht.
• Hauro: Robert Stadlober.
• Für Calcifer holten sie Gerald Schaale, und der Feuerdämon quengelt bei ihm genau richtig.
• Barbara Ratthey als Hexe aus dem Niemandsland.
• Markl: Kevin Iannotta, damals selbst noch ein Kind.
• Und Madame Suliman gehört Maddalena Kerrh.

Stadlober als Hauro war 2005 eine Ansage. Er war damals das Gesicht des deutschen Jugendfilms und bringt genau die Mischung aus Arroganz und Panik mit, die die Rolle braucht. Melles gibt Sophie eine Wärme, die im Original etwas kantiger ausfällt. Ich schaue den Film inzwischen meistens japanisch mit Untertiteln, aber wer die deutsche Fassung aus dem Kino kennt, verliert nichts Wesentliches.

Die zweite Hälfte franst aus. Ich verteidige sie trotzdem.

Ab etwa Minute 75 verliert der Film den Faden. Der Krieg eskaliert, Madame Suliman zieht Fäden, die nie ganz sichtbar werden, und die Auflösung um Calcifer und den Fluch kommt in ungefähr vier Minuten über die Bühne. Wer eine saubere Dramaturgie will, wird hier bedient wie in einer Werkstatt ohne Werkzeug.

Stefan hat mir das mal vorgerechnet, Szene für Szene, und ich konnte ihm bei keinem einzigen Punkt widersprechen. Der Turnip Head wird per Kuss aufgelöst. Der Krieg endet, weil jemand sagt, dass er jetzt endet. Sulimans Motivation bleibt Behauptung.

Und jetzt kommt der Teil, der diesen Film zum Kult macht: Es funktioniert trotzdem. Weil Miyazaki nicht Plot erzählt, sondern Zustände. Das Schloss ist innen größer als außen, die Tür führt je nach Farbe des Drehknopfs in vier verschiedene Städte, und niemand hält das für erklärungsbedürftig. Der Film hat die Logik eines Traums, in dem du auch nicht fragst, warum die Küche plötzlich am Meer liegt. Wer da nach Kausalität sucht, hat sich in den falschen Saal gesetzt.

Ich kenne kaum jemanden, der diesen Film mag und ihn für perfekt hält. Das ist genau der Punkt. Man verteidigt ihn, weil man ihn mag. So rum wird ein Schuh draus.

Interessant ist, wie sich sein Ruf gedreht hat. 2004 und 2005 lief er in der Kritik als der schwächere Miyazaki, der nach dem Oscar-Triumph von Chihiro zwangsläufig abfallen musste. Zwanzig Jahre später steht er bei über 11.000 TMDB-Stimmen auf 8,4 und wird in jeder zweiten Ghibli-Diskussion als heimlicher Favorit genannt. Filme mit sichtbaren Rissen altern manchmal besser als die geschliffenen, weil man an ihnen etwas zu tun hat.

Und es gibt diese Details, für die man ihn wieder aufmacht. Wie das Schloss beim Losgehen die Zunge rausstreckt. Wie Calcifer beim Sprechen die Flammenfarbe wechselt, je nachdem, wie er gelaunt ist. Wie Sophie in der Küche Speck brät und das Fett in einer Detailschärfe spritzt, für die andere Studios eine Simulation angeworfen hätten. Kitarō Kosakas Team hat das von Hand gezeichnet, Bild für Bild, und man sieht die Arbeit in jeder Einstellung.

Bagdad steht in diesem Film, auch wenn der Name nie fällt

Miyazaki begann die Arbeit an dem Film, als der amerikanische Angriff auf Bagdad bevorstand, und er hat später offen gesagt, dass ihn dieser Krieg wütend gemacht hat. Das erklärt einiges an einem Film, der aus einem Roman ohne Krieg einen Film über Krieg macht.

Die Bombardierungssequenzen sind das Härteste, was Ghibli außerhalb von „Die letzten Glühwürmchen“ gezeigt hat. Brennende Städte aus der Vogelperspektive, Flugmaschinen, die wie Insekten über Dächern hängen, und keine einzige Szene, in der irgendwer erklärt, worum dieser Krieg eigentlich geht. Genau das ist die Aussage. Die Zivilbevölkerung erfährt nie den Grund. Sie erfährt nur das Ergebnis.

Wer sehen will, wie stark ein Fantasyfilm über echten Krieg sprechen kann, ohne ihn zu benennen, sollte danach Pan’s Labyrinth schauen. Del Toro geht deutlich brutaler ran, aber der Grundgedanke ist verwandt: Das Märchen ist der Ort, an dem sich das Unaushaltbare aushalten lässt.

Wenn dich das hier kriegt, kriegt dich das auch

„Das wandelnde Schloss“ ist bei uns mit 9,0 bewertet, einen halben Punkt unter Chihiros Reise ins Zauberland mit 9,5. Diese Reihenfolge würde ich verteidigen, auch wenn ich Howl öfter schaue.

Für den Einstieg in handgezeichnetes Anime-Kino führt kein Weg an Akira vorbei, unsere 9,2, härter und kälter als alles bei Ghibli. Wer es moderner mag, nimmt Demon Slayer: Infinity Castle, ebenfalls 9,2, wo ufotable zeigt, was heute technisch geht. Und für den Abend, an dem es einfach schön sein soll, gibt es Das letzte Einhorn mit 8,5, das aus einer ganz anderen Ecke kommt und doch dieselbe melancholische Frequenz trifft.

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