Chinatown

Worum geht es in Chinatown?

Los Angeles, 1937: Privatdetektiv Jake Gittes wird von einer mysteriösen Frau beauftragt, ihren Ehemann zu beschatten – den Chefingenieur der städtischen Wasserwerke. Was als simpler Ehebruchfall beginnt, entpuppt sich als gigantische Verschwörung um Wasser, Macht und ein dunkles Familiengeheimnis. Als der beschattete Mann ermordet aufgefunden wird, gerät Gittes in ein tödliches Spiel, das ihn bis in die titelgebende Chinatown führt – einen Ort, der für ihn mit schmerzhaften Erinnerungen verbunden ist.

Ich muss gestehen: Beim ersten Schauen 1982 (da war ich acht und viel zu jung dafür) habe ich rein gar nichts verstanden. Mein Vater hatte den Film aus der Videothek mitgebracht, und ich saß fasziniert vor dem Fernseher, ohne auch nur ansatzweise zu begreifen, worum es ging. Heute, nach unzähligen Wiederholungen, erkenne ich die geniale Konstruktion dieser Geschichte.

Robert Towne hat ein Drehbuch geschrieben, das wie eine Zwiebel aufgebaut ist – jede Schicht, die man abzieht, offenbart neue Abgründe. Jake beginnt als typischer Privatschnüffler der 1930er Jahre, fotografiert untreue Ehemänner für eifersüchtige Ehefrauen. Routine. Langweilig sogar. Doch schon die erste Wendung – die echte Mrs. Mulwray taucht auf und erklärt, sie habe ihn nie beauftragt – katapultiert uns in völlig anderes Terrain.

Die eigentliche Handlung dreht sich um die California Water Wars, einen historisch verbürgten Skandal um die Wasserversorgung von Los Angeles. William Mulholland, der reale Ingenieur, auf dem die Figur des Hollis Mulwray basiert, leitete tatsächlich Wasser aus dem Owens Valley nach LA um – und vernichtete dabei eine ganze Agrarregion. Towne nimmt diese Geschichte und spinnt sie zu einer Parabel über Korruption, Gier und die Ohnmacht des Einzelnen gegen das System.

Was mich bis heute fasziniert: Chinatown funktioniert gleichzeitig als Detektivgeschichte, als Gesellschaftskritik und als griechische Tragödie. Jake ist ein moderner Ödipus, der durch sein Bemühen um Aufklärung das Unheil erst heraufbeschwört.

Wie inszeniert Roman Polanski diese düstere Vision?

Roman Polanski verwandelt Los Angeles in ein sonnendurchflutetes Labyrinth des Bösen. Seine Regie ist von chirurgischer Präzision geprägt – jede Einstellung, jeder Schnitt, jede Kamerabewegung dient der Geschichte. Polanski versteht es wie kaum ein anderer, Spannung aus dem Ungesagten zu ziehen und die Paranoia der Hauptfigur auf den Zuschauer zu übertragen. Die Stadt selbst wird zum Antagonisten, schön und tödlich zugleich.

Polanski kam 1974 von einer Serie europäischer Autorenfilme und brachte diese Sensibilität nach Hollywood. Das Ergebnis ist ein amerikanischer Film mit europäischer Seele – klassisches Erzählkino, aber mit der psychologischen Tiefe, die seine frühen Werke auszeichnet.

Besonders beeindruckt mich, wie Polanski die Hitze und den Wassermangel von LA inszeniert. Fast der ganze Film spielt bei grellem Sonnenlicht, aber es ist ein trügerisches Licht. Wo andere Regisseure Schatten nutzen, um Bedrohung zu erzeugen, macht Polanski das Gegenteil: Die Gefahr lauert in der gleißenden Sonne, in den gepflegten Villen von Bel Air, in den scheinbar harmlosen Orangenhainen.

Die Art, wie er Jake durch die Stadt schickt, erinnert mich an die großen Film Noirs der 1940er Jahre – aber mit einem entscheidenden Unterschied. In den klassischen Noirs war die Stadt nachts gefährlich, tags war sie sicher. Bei Polanski gibt es keine Sicherheit, nirgends. Selbst die idyllischsten Schauplätze – das Altersheim, der Country Club – bergen tödliche Geheimnisse.

Ein Detail, das mir erst nach Jahren aufgefallen ist: Polanski zeigt uns nie die titelgebende Chinatown, bis Jake am Ende dorthin zurückkehrt. Der ganze Film ist eine Reise zu diesem Ort, der in Jakes Vergangenheit für Hilflosigkeit und Versagen steht. Genial.

Wie brilliert Jack Nicholson als Jake Gittes?

Jack Nicholson liefert in Chinatown eine seiner besten Leistungen ab – was bei seiner Karriere wirklich etwas heißt. Sein Jake Gittes ist weit entfernt vom überdrehten Nicholson späterer Jahre: Hier spielt er einen Mann, der glaubt, er verstehe die Regeln der Welt, nur um zu erfahren, dass es andere, viel dunklere Regeln gibt. Nicholsons Performance ist eine Meisterklasse in subtiler Charakterentwicklung.

1974 war Nicholson 37 und auf dem absoluten Höhepunkt seiner Schauspielfähigkeiten. Er hatte bereits seinen ersten Oscar für „Einer flog über das Kuckucksnest“ gewonnen und war der heißeste Schauspieler Hollywoods. Aber in Chinatown zeigt er eine völlig andere Seite – nicht den rebellischen Antihelden, sondern einen Mann, der verzweifelt versucht, anständig zu sein.

Jake Gittes ist ein Charakter mit Vergangenheit. Nicholson spielt ihn nicht als typischen Hard-Boiled-Detective, sondern als jemanden, der aus Chinatown geflohen ist – sowohl geografisch als auch psychologisch. Seine Vergangenheit als Polizist dort hat ihn geprägt: „Du tust so wenig wie möglich“, war seine Lektion. Aber Jake kann nicht anders, er muss der Sache auf den Grund gehen.

Die physische Präsenz Nicholsons in diesem Film ist bemerkenswert. Er trägt fast durchgehend denselben cremefarbenen Anzug – ein visueller Anker, der den Zuschauer durch die verschlungene Handlung führt. Und dann die Szene mit dem Messer: Polanski selbst spielt den Schläger, der Jake die Nase aufschlitzt. Nicholson spielt den Schmerz und die Demütigung so überzeugend, dass ich jedes Mal zusammenzucke.

Was mich an seiner Performance am meisten beeindruckt: Jake ist kein Superheld. Er macht Fehler, wird ausgetrickst, ist oft einen Schritt hinter den Ereignissen. Nicholson spielt diese Unzulänglichkeit, ohne seinen Charakter lächerlich zu machen. Jake bleibt sympathisch, auch wenn er Mist baut.

Wie erschafft John A. Alonzo das visuelle Meisterwerk?

Kameramann John A. Alonzo erschafft mit Chinatown eine der schönsten und gleichzeitig bedrohlichsten Bildwelten der Filmgeschichte. Seine Kamera fängt das Los Angeles der 1930er Jahre in warmen, sinnlichen Tönen ein – nur um diese Schönheit als Fassade für das darunterliegende Böse zu entlarven. Alonzo nutzt natürliches Licht und klassische Bildkompositionen, die den Film zeitlos wirken lassen.

Alonzo war damals noch relativ unbekannt, hatte aber bereits bei „Harold und Maude“ gezeigt, was er kann. Polanski gab ihm die Freiheit, Los Angeles so zu fotografieren, wie es wirklich ist: eine Stadt des Lichts, die ihre Schatten sorgsam verbirgt.

Die Farbpalette des Films ist genial durchdacht. Warme Brauntöne dominieren – das getrocknete Gras der Berge, Jakes Anzug, die Häuser von Bel Air. Diese Wärme steht im Kontrast zu der Kälte der Geschichte. Es ist, als würde uns Alonzo zeigen: Selbst das Paradies kann zur Hölle werden.

Besonders die Wassermotive sind brilliant fotografiert. Der Film handelt von Wassermangel, aber paradoxerweise sehen wir ständig Wasser: Schwimmbäder, Springbrunnen, das Meer. Alonzo macht diese Ironie visuell erfahrbar. Das Wasser ist da, aber es gehört den Falschen.

Ein technisches Detail, das mich fasziniert: Alonzo filmt oft durch Fensterscheiben, Spiegel oder andere reflektierende Oberflächen. Das erzeugt eine Ebene der Ungewissheit – wir sehen die Realität immer durch etwas anderes hindurch, gefiltert, verzerrt. Perfekt für eine Geschichte über die Unmöglichkeit, die Wahrheit zu erkennen.

Wie unterstützt Jerry Goldsmiths Musik die düstere Atmosphäre?

Jerry Goldsmith komponierte den Soundtrack zu Chinatown in nur zehn Tagen – und erschuf dabei eine der unvergesslichsten Filmmusiken aller Zeiten. Seine melancholischen Trompetenmelodien fangen die Sehnsucht und Verzweiflung des Films perfekt ein. Die Musik ist sparsam eingesetzt, aber wenn sie erklingt, geht sie direkt ins Herz.

Die Geschichte hinter der Musik ist legendär: Ursprünglich sollte ein anderer Komponist die Musik schreiben, aber seine Arbeit gefiel Polanski nicht. Goldsmith wurde in letzter Minute engagiert und hatte nur zehn Tage Zeit. Das Ergebnis ist ein Wunder der Spontaneität und des Instinkts.

Das Hauptthema, gespielt auf einer gedämpften Trompete, ist pure Melancholie. Es klingt wie ein Lied für eine verlorene Liebe, für eine verlorene Unschuld. Wenn ich diese Melodie höre, sehe ich sofort das LA der 1930er Jahre vor mir – nicht das glamouröse Hollywood, sondern das andere LA, das mit seinen Geheimnissen und seiner Korruption.

Goldsmith versteht es, Musik als emotionale Unterstützung zu nutzen, ohne aufdringlich zu werden. Lange Sequenzen kommen ganz ohne Musik aus – das macht die Momente, in denen sie einsetzt, umso wirkungsvoller. Besonders das Finale: Diese letzten Trompetenklänge über dem Schluss-Satz „Forget it, Jake. It’s Chinatown“ – Gänsehaut, jedes Mal.

Was macht Chinatown zu einem zeitlosen Meisterwerk?

Chinatown ist zeitlos, weil er universelle Themen anspricht: Korruption, Machtmissbrauch, die Ohnmacht des Einzelnen gegen das System. Der Film zeigt, wie sich Geschichte wiederholt – die California Water Wars der 1930er Jahre haben erschreckende Parallelen zu heutigen Umwelt- und Ressourcenskandalen. Robert Townes Drehbuch ist so perfekt konstruiert, dass jede Wendung überrascht und gleichzeitig logisch erscheint.

Was mich nach all den Jahren immer noch begeistert: Dieser Film hat keine schwachen Stellen. Jede Szene, jeder Dialog, jede Einstellung dient der Geschichte. Das ist bei modernen Filmen leider selten geworden. Chinatown ist handwerklich perfekt, aber ohne kalt zu sein.

Die politische Dimension des Films ist heute relevanter denn je. Die Geschichte zeigt, wie eine kleine Gruppe mächtiger Männer eine ganze Stadt manipuliert, um sich zu bereichern. Das klingt erschreckend aktuell, oder? Towne und Polanski haben einen Film über die 1930er Jahre gemacht, der die 1970er Jahre erklärte – und heute immer noch gültig ist.

Der Film funktioniert auch als perfekte Hommage an das Film Noir der 1940er Jahre, ohne bloße Imitation zu sein. Polanski nimmt die Codes des Genres – den zynischen Privatdetektiv, die femme fatale, die Korruption – und entwickelt sie weiter. Chinatown ist Neo-Noir im besten Sinne.

Ein Aspekt, den ich besonders schätze: Der Film traut seinem Publikum Intelligenz zu. Er erklärt nicht alles, lässt Lücken, erwartet, dass wir mitdenken. In einer Zeit, in der Filme oft ihre Zuschauer für dumm verkaufen, ist das erfrischend.

Welche Schwächen hat Chinatown?

Ehrlich gesagt, fällt es mir schwer, echte Schwächen in Chinatown zu finden. Der Film ist handwerklich so perfekt, dass Kritikpunkte eher Geschmackssache sind. Manche könnten das düstere Ende als zu hoffnungslos empfinden, andere die komplexe Handlung als verwirrend. Für heutige Sehgewohnheiten mag das Tempo teilweise langsam wirken.

Wenn ich wirklich kritisch sein muss: Der Film ist sehr männlich geprägt. Faye Dunaway spielt brillant, aber Evelyn Mulwray bleibt letztendlich ein Objekt der Handlung, nicht deren Subjekt. Das entspricht zwar den Genre-Konventionen der Zeit, wirkt heute aber etwas antiquiert.

Manche Zuschauer könnten sich an der Komplexität der Handlung stören. Chinatown erfordert Aufmerksamkeit – wer nebenbei auf sein Handy schaut, verliert schnell den Faden. In unserer Zeit der kurzen Aufmerksamkeitsspannen kann das ein Problem sein.

Das Tempo ist definitiv gemächlicher als heutige Thriller. Polanski nimmt sich Zeit für Charakterentwicklung und Atmosphäre. Zuschauer, die ständige Action erwarten, könnten sich langweilen. Aber das ist eher ein Problem der heutigen Sehgewohnheiten als des Films.

Ein weiterer Punkt: Die historische Distanz. Die California Water Wars sind heute weitgehend vergessen. Jüngere Zuschauer verstehen möglicherweise nicht die historische Relevanz der Geschichte. Aber das mindert nicht die Qualität des Films – gute Geschichten funktionieren auch ohne Hintergrundwissen.

Für wen ist Chinatown geeignet?

Chinatown richtet sich an erwachsene Zuschauer, die anspruchsvolles Kino schätzen. Der Film ist perfekt für Liebhaber klassischer Kriminalfilme, Fans komplexer Charakterstudien und alle, die sich gern von brillantem Filmhandwerk verzaubern lassen. Auch Geschichtsinteressierte und politisch bewusste Zuschauer werden ihre Freude haben.

Cineasten kommen voll auf ihre Kosten: Chinatown ist ein Lehrbuch für perfektes Filmemachen. Regisseure studieren bis heute Polanskis Inszenierung, Drehbuchautoren analysieren Townes Konstruktion, Schauspieler schauen sich Nicholsons Performance ab.

Für Noir-Fans ist der Film ein Muss. Er zeigt, wie man das Genre respektvoll weiterentwickelt, ohne es zu verraten. Die Atmosphäre, die Dialoge, die moralischen Grauzonen – alles stimmt.

Zuschauer, die intelligente Unterhaltung schätzen, werden begeistert sein. Der Film behandelt seine Zuschauer wie erwachsene Menschen mit Verstand. Er stellt Fragen, ohne einfache Antworten zu geben.

Auch als historisches Dokument ist Chinatown wertvoll. Er zeigt nicht nur das Los Angeles der 1930er Jahre, sondern auch das Hollywood der 1970er Jahre – eine Zeit, als Filmemacher noch Risiken eingehen konnten.

Fans großartiger Schauspielkunst sollten sich den Film nicht entgehen lassen. Nicholson, Dunaway, John Huston – sie alle sind auf dem Höhepunkt ihres Könnens.