James Bond 007 – Stirb an einem anderen Tag (2002)

Worum geht es in Stirb an einem anderen Tag?

Pierce Brosnans vierter und letzter Bond-Auftritt beginnt mit einem Paukenschlag: 007 wird in Nordkorea gefangen genommen, 14 Monate gefoltert und von MI6 im Stich gelassen – das düsterste Opening der gesamten Brosnan-Ära. Nach einem Gefangenenaustausch gilt Bond als Verräter und muss seine Unschuld beweisen.

Ich erinnere mich noch genau, wie geschockt ich im Kino war, als die Titelsequenz Bonds Folter zeigte – mit Skorpionen und Elektroschocks! Das war 2002 revolutionär für die Serie. Die erste Hälfte des Films funktioniert tatsächlich brillant: Ein gebrochener Bond, der alles verloren hat, kämpft sich zurück. Das ist düsteres, erwachsenes Kino.

Die Handlung führt uns von Hongkong nach Kuba und Island, wo Bond auf die NSA-Agentin Jinx (Halle Berry) trifft und dem mysteriösen Milliardär Gustav Graves begegnet. Graves hat einen Satelliten namens Icarus entwickelt, der angeblich die Landwirtschaft revolutionieren soll. Natürlich ist das kompletter Bullshit – in Wahrheit plant er, Nordkorea mit einem Weltraum-Laser zu erobern.

Das Problem: Ab der Hälfte verliert der Film völlig die Bodenhaftung. DNA-Umwandlungstherapie, unsichtbare Autos, ein Palast aus Eis und die berüchtigte Windsurf-Szene über eine Tsunami-Welle – das ist nicht mehr Bond, das ist Science Fiction auf Crystal Meth.

Was macht die Regie von Lee Tamahori so besonders?

Regisseur Lee Tamahori („Once Were Warriors“) bringt eine raue, ungeschliffene Energie in die Bond-Serie, die perfekt zur Gefangenschafts-Story passt. Seine Kameraarbeit in den ersten 60 Minuten ist düster und erwachsen – dann dreht er komplett durch und liefert die verrückteste Action-Orgie der Bond-Geschichte ab.

Tamahori war eine überraschende Wahl für Bond. Der Neuseeländer war für intensive Dramen bekannt, nicht für Blockbuster-Action. Das merkt man dem Film an: Die emotionalen Szenen zwischen Bond und M (Judi Dench) haben eine Wucht, die in anderen Bond-Filmen fehlt. Wenn Dench Bond kalt abserviert und sagt „You’ve been away too long“, schneidet das richtig ins Fleisch.

Aber dann passiert etwas Seltsames: Tamahori scheint zu merken, dass er einen James Bond-Film macht, und überkompensiert mit CGI-Orgien und unmöglicher Physik. Die Verfolgungsjagd auf dem Eis beginnt spektakulär mit echten Stunts, endet aber in einer Computer-Animation, die selbst 2002 schlecht aussah.

Ich glaube, Tamahori wollte den wildesten, verrücktesten Bond aller Zeiten machen – zum 40. Jubiläum der Serie. Mission erfüllt! Ob das gut oder schlecht ist, darüber streiten sich Fans bis heute.

Wie ist die Besetzung und das Schauspiel in Stirb an einem anderen Tag?

Pierce Brosnan liefert seine emotionalste und körperlich anspruchsvollste Bond-Performance ab. Der 49-jährige Schauspieler wusste, dass dies sein Abschied sein würde, und gibt alles – von der gebrochenen Verletzlichkeit des gefolterten Agenten bis zum übertriebenen Action-Hero der zweiten Hälfte.

Was viele vergessen: Brosnan war 2002 auf dem Höhepunkt seiner Karriere. „GoldenEye“ hatte ihn zum Star gemacht, aber hier spielt er einen Bond, der alles verloren hat. Die Szene, wo er nach 14 Monaten Haft wieder rasiert und im Anzug vor M steht, ist großartig gespielt. Man sieht die Narben unter der Oberfläche.

Halle Berry kommt frisch vom Oscar-Gewinn für „Monster’s Ball“ und bringt Hollywood-Glamour mit. Ihre berühmte Bikini-Szene (eine Hommage an Ursula Andress) wurde zur Ikone, aber danach bekommt sie hauptsächlich coole One-Liner zu sprechen. „Yo mama!“ zu einem Bösewicht – ja, das passiert wirklich in einem Bond-Film.

Toby Stephens als Gustav Graves ist pure Theatralik. Er spielt den Bösewicht wie ein shakespearescher Schurke, der zufällig in einen Actionfilm gestolpert ist. Es ist komplett over-the-top, aber es passt zum verrückten Ton des Films.

Die größte Überraschung ist Rosamund Pike in ihrem Filmdebüt als Miranda Frost. Sie spielt die eiskalte MI6-Agentin mit einer Kälte und Präzision, die alle anderen überstrahlt. Dass sie später Oscar-nominiert werden würde, überrascht beim Wiederschauen nicht.

Wie sind Kamera und Bildsprache in Stirb an einem anderen Tag?

Kameramann David Tattersall schafft einen visuellen Stil, der zwischen düsterem Realismus und Comic-book-Ästhetik schwankt. Die Nordkorea-Sequenzen sind schmutzig und handheld gefilmt, während der Eispalast wie eine Fantasywelt aus kristallenem Glas funkelt – zwei verschiedene Filme in einem.

Die ersten Szenen in der nordkoreanischen Minenstadt sind bewusst trist und deprimierend gefilmt. Braun-graue Farbtöne, handheld-Kamera, dreckige Gesichter – das könnte aus einem Kriegsfilm stammen. Ein krasser Gegensatz zu den bunten, fast cartoon-artigen Sequenzen im Eispalast.

Der Höhepunkt der visuellen Verwirrung ist die berüchtigte Windsurf-Szene. Was als spektakulärer praktischer Stunt geplant war, wurde zu einer CGI-Katastrophe, die selbst damals wie ein Videospiel aussah. Aber ehrlich? 23 Jahre später hat das fast schon nostalgischen Charme, wie ein Relikt aus der Frühzeit des digitalen Kinos.

Die Gadget-Präsentationen sind visuell überladen – Q’s Labor platzt aus allen Nähten mit Anspielungen auf 40 Jahre Bond. Jeder Zentimeter ist vollgepackt mit Easter Eggs für Fans. Subtil ist das nicht, aber als Feier der Bond-Geschichte funktioniert es.

Wie ist die Musik und der Sound in Stirb an einem anderen Tag?

David Arnolds vierter Bond-Score ist einer seiner besten – eine perfekte Mischung aus klassischer Orchestrierung und modernen elektronischen Elementen. Der Soundtrack rettet viele übertriebene Szenen durch pure emotionale Kraft, während Madonnas kontroverse Titelballade polarisiert wie der ganze Film.

Arnold versteht es wie kaum ein anderer, John Barrys Erbe zu würdigen und trotzdem modern zu klingen. Die Folter-Sequenz wird von düsteren, atonalen Klängen begleitet, die einem unter die Haut gehen. Wenn Bond später im Aston Martin sitzt und „Die Another Day“ aus den Boxen tönt, bekomme ich immer noch Gänsehaut.

Madonnas Titelsong ist… nun ja, Geschmackssache. Ich fand ihn 2002 furchtbar elektronisch und kalt. Heute höre ich ihn als perfektes Zeitdokument der frühen 2000er – minimalistisch, digital, anders als alle Bond-Songs davor. Das Video mit den Folter-Anspielungen war gewagt für eine Mainstream-Künstlerin.

Die Actionsequenzen werden von Arnolds Orchester bombastisch untermalt. Manchmal übertreibt er genauso wie der Film – aber das passt zur völlig überdrehten Atmosphäre. Wenn der Icarus-Satellit London in Brand steckt, klingt das apokalyptisch genug für drei Weltuntergänge.

Was sind die größten Stärken von Stirb an einem anderen Tag?

Die erste Filmhälfte liefert den emotionalsten und düstersten Bond-Content der Brosnan-Ära. Pierce Brosnans verletzlicher 007, die brutalen Folterszenen und die Konfrontation mit M über Bonds Versagen sind erwachsenes, komplexes Kino – bevor der Film in gloriose Verrücktheit abdriftet, die heute fast schon nostalgischen Charme hat.

Ich hatte vergessen, wie gut die erste Stunde ist! Bond als gebrochener Mann, der sein Vertrauen und seinen Status verloren hat – das ist großes Kino. Brosnan spielt das mit einer Ernsthaftigkeit, die man ihm nicht zugetraut hätte. Die Szene in der Hotelbar in Hongkong, wo er seine Ausrüstung zurückbekommt, ist perfekt gespielt.

Die praktischen Stunts sind spektakulär. Die Verfolgungsjagd durch die Minenfelder, das Fechten im Gentlemen’s Club, die Explosion der Antonow-Transportmaschine – wenn keine Computer beteiligt sind, funktioniert alles perfekt. Das Stunt-Team liefert Weltklasse-Action ab.

Der Film ist vollgepackt mit Easter Eggs zum 40. Jubiläum. Rosa Klebbs Giftschuh, das Jetpack aus „Feuerball“, Ursula Andress‘ Bikini – für Bond-Nerds ist das ein Fest. Q’s Labor gleicht einem Museum der Filmgeschichte.

Rosamund Pikes Filmdebüt ist ein Highlight. Sie spielt Miranda Frost mit eiskalter Präzision und wirkt in jeder Szene gefährlicher als die männlichen Bösewichte. Dass sie fast 20 Jahre später in „Gone Girl“ zur Oscar-Kandidatin wurde, überrascht nicht.

Was sind die größten Schwächen von Stirb an einem anderen Tag?

Das katastrophale CGI der zweiten Hälfte wirkt selbst für 2002-Verhältnisse billig und amateurhaft. Die Windsurf-Tsunami-Szene, der unsichtbare Aston Martin und der finale Freefall-Kampf im zerfallenden Flugzeug sehen aus wie unfertige Videospiel-Cutscenes und zerstören jede Glaubwürdigkeit.

Die berüchtigte Windsurf-Szene ist so schlecht, dass sie legendär geworden ist. Bond surft auf einer brechenden Eiswelle, während im Hintergrund ein Laserstrahl aus dem All feuert – das ist nicht mehr Kino, das ist digitaler Wahnsinn. Ich habe diese Szene 2002 im Kino gesehen und das Publikum hat gelacht. Nicht mit dem Film, sondern über ihn.

Die Dialoge sind teilweise haarsträubend. „Yo mama!“ – wirklich? In einem James Bond-Film? Halle Berry macht das Beste aus dem Material, aber manche Sprüche hätten nicht mal in „xXx“ funktioniert.

Der DNA-Umwandlungsplot ist kompletter Nonsens. Die Idee, dass Gustav Graves eigentlich ein koreanischer Oberst ist, der sein Aussehen komplett verändert hat, ist so absurd, dass selbst Austin Powers gerötet hätte.

Die Tonfälle des Films passen nicht zusammen. Düstere Folter-Dramaturgie und Over-the-Top-Gadget-Action funktionieren nicht im selben Film. Es ist, als hätte jemand „Casino Royale“ und „Moonraker“ in einen Mixer geworfen.

Für wen ist Stirb an einem anderen Tag geeignet?

Der Film funktioniert perfekt für Zuschauer, die ihn als nostalgisches Trash-Spektakel der frühen 2000er betrachten können. Bond-Completionisten müssen ihn sehen, und Fans von „so bad it’s good“-Filmen werden ihre Freude haben. Wer Pierce Brosnans Abschied erleben möchte, kommt nicht vorbei.

Ich empfehle den Film allen, die die Moore-Ära mit ihrem Camp-Faktor geliebt haben. „Stirb an einem anderen Tag“ ist der spirituelle Nachfolger von „Moonraker“ – völlig übertrieben, aber mit Selbstbewusstsein. Mit ein paar Bier und guten Freunden wird das zu einem großartigen Filmabend.

Brosnan-Fans sollten ihn definitiv sehen, allein wegen seiner emotionalen Performance in der ersten Hälfte. Es ist schade, dass sein Bond-Abschied so verrückt geraten ist, aber er gibt alles und zeigt Seiten von 007, die wir vorher nicht gesehen hatten.

2000er-Nostalgie-Liebhaber werden ihre Freude haben. Der Film ist ein perfektes Zeitdokument: übertriebenes CGI, elektronische Musik, Y2K-Ästhetik und die naive Begeisterung für digitale Effekte. Das ist pure Millennium-Energie in Filmform.

Nicht geeignet ist der Film für Puristen der Craig-Ära. Wer realistischen, erdigen Bond erwartet, wird enttäuscht. Auch CGI-Allergiker sollten sich fernhalten – ab Minute 60 explodiert der Film in digitalen Effekten.