White Bird (2023)

Worum geht es in White Bird?

White Bird erzählt die Geschichte von Julian Albans, dem ehemaligen Mobber aus „Wonder“, der von seiner französischen Großmutter Sara eine erschütternde Geschichte über Mut und Menschlichkeit während der Nazi-Zeit erfährt. Als jüdisches Mädchen im besetzten Frankreich versteckt, wurde Sara ausgerechnet von einem Außenseiter ihrer Klasse gerettet – eine Lektion über wahre Freundschaft, die Julians Leben verändert.

Ich muss gestehen, als ich hörte dass Marc Forster eine Fortsetzung zu „Wonder“ dreht, war ich skeptisch. Der erste Film hatte mich damals überrascht – positiv überrascht sogar, obwohl ich eigentlich mit Familiendramen nicht viel anfangen kann. Aber White Bird geht einen anderen Weg.

Julian, gespielt von Bryce Gheisar, ist nicht mehr der selbstsichere kleine Tyrann aus dem ersten Film. Er wurde von der Schule geschmissen, seine Eltern sind enttäuscht, und er hängt lustlos zu Hause rum. Seine französische Großmutter Sara (Helen Mirren) besucht die Familie und merkt schnell: Der Junge braucht eine Lektion über das Leben.

Was folgt, ist eine Zeitreise ins Jahr 1942. Wir sehen die junge Sara (Ariella Glaser) in einem französischen Dorf, wo die Nazis systematisch jüdische Familien deportieren. Sara muss sich verstecken, und ausgerechnet Julien (Orlando Schwerdt), ein behinderter Junge mit Klumpfuß, den alle anderen ignorieren oder verspotten, wird zu ihrem Retter.

Die Geschichte springt zwischen den Zeitebenen hin und her – mal sind wir bei Julian in seiner sterilen amerikanischen Vorstadtwelt, mal bei Sara in den gefährlichen Wäldern Frankreichs. Forster nutzt diese Struktur geschickt, um Parallelen zu ziehen: Hier der verwöhnte Teenager, der nicht versteht was Mobbing anrichtet, dort das Mädchen, das ums nackte Überleben kämpft.

Wie schlägt sich Marc Forster als Regisseur von White Bird?

Marc Forster beweist erneut sein Gespür für emotionale Geschichten und führt White Bird mit behutsamer Hand. Der Schweizer Regisseur, bekannt für „Finding Neverland“ und „Ein Quantum Trost“, schafft eine warme, aber niemals sentimentale Atmosphäre und lässt seinen Darstellern genug Raum für nuancierte Performances. Allerdings verliert er sich manchmal in zu perfekten Bildern.

Forster war schon immer ein Regisseur, der das Herzschmerz-Genre beherrscht. Bei „Finding Neverland“ hat er mich damals zu Tränen gerührt – ein Film über J.M. Barrie und die Entstehung von Peter Pan, der hätte kitschig werden können, aber nie über die Grenze rutschte.

Hier zeigt er wieder diese Fähigkeit. Die Holocaust-Thematik hätte leicht in Melodrama abgleiten können, aber Forster bleibt respektvoll und authentisch. Er zeigt die Schrecken des Krieges, ohne explizit zu werden – wichtig bei einem Film, der auch für Jugendliche gedacht ist.

Besonders gelungen finde ich, wie er die beiden Zeitebenen miteinander verwebt. Der Wechsel zwischen Saras Erzählung und Julians Reaktionen darauf funktioniert organisch. Man spürt, wie die Geschichte den Jungen verändert, ohne dass es aufgesetzt wirkt.

Was mich manchmal stört: Forster kann der Versuchung nicht widerstehen, zu perfekte Bilder zu schaffen. Manche Szenen in den französischen Wäldern sind so schön fotografiert, dass sie fast wie Postkarten wirken. Das lenkt manchmal von der emotionalen Wucht der Geschichte ab.

Trotzdem muss man ihm zugutehalten: Er traut seinem Material. Es gibt keine aufgesetzten Action-Szenen oder unnötige Subplot-Komplexität. White Bird ist ein ruhiger, nachdenklicher Film – und das in einer Zeit, wo Hollywood-Filme immer lauter und schneller werden müssen.

Wie überzeugt die Besetzung von White Bird?

Helen Mirren und Gillian Anderson tragen White Bird mit außergewöhnlichen Performances. Mirren bringt als ältere Sara die perfekte Mischung aus Wärme und verhaltener Trauer mit, während Anderson in Rückblenden die Verzweiflung einer Mutter im Krieg verkörpert. Die jungen Darsteller Ariella Glaser und Orlando Schwerdt halten überraschend gut mit und schaffen glaubwürdige, berührende Figuren.

Helen Mirren – was soll ich sagen? Die Frau kann einfach alles. Von der Queen in „The Queen“ bis zur Überlebenden in White Bird, sie findet immer den richtigen Ton. Hier spielt sie Sara als warmherzige, aber auch geheimnisvolle Großmutter, die ihrem Enkel eine schwere Wahrheit beibringen muss.

Was mir an Mirrens Performance gefällt: Sie macht Sara nicht zur stereotypen weisen Großmutter. Man spürt die Narben, die die Kriegszeit hinterlassen hat. Wenn sie Julian ihre Geschichte erzählt, ist da Schmerz in ihren Augen – aber auch Hoffnung.

Gillian Anderson sehen wir nur in wenigen, aber wichtigen Szenen als Saras Mutter. Ich kenne Anderson hauptsächlich aus „Akte X“ und „The Crown“, aber hier zeigt sie eine andere Seite. Ihre Verzweiflung, als sie ihre Tochter verstecken muss, ist herzzerreißend ohne übertrieben zu sein.

Bei den jungen Darstellern war ich anfangs skeptisch. Kinderschauspieler können einen Film schnell ruinieren, wenn sie zu theatralisch oder zu süß spielen. Aber Ariella Glaser als junge Sara und Orlando Schwerdt als Julien überraschen positiv.

Glaser schafft es, Saras Transformation von der behüteten Schülerin zum versteckten Flüchtling glaubwürdig zu spielen. Man nimmt ihr ab, wie sie langsam erwachsen wird unter den unmenschlichen Bedingungen.

Schwerdt als behinderter Julien, der zum Helden wird, hätte leicht ins Klischee abdriften können. Aber er spielt den Jungen mit einer natürlichen Würde, die mich beeindruckt hat. Seine Beziehung zu Sara entwickelt sich organisch – von vorsichtiger Hilfe zu echter Freundschaft.

Bryce Gheisar als moderner Julian hat die undankbarste Rolle. Er muss den verwöhnten Teenager spielen, der lernt empathisch zu werden. Das könnte nervig werden, aber Gheisar findet die richtige Balance zwischen jugendlichem Trotz und wachsender Einsicht.

Wie beeindruckt White Bird visuell?

Kameramann Matthias Koenigswieser erschafft für White Bird eine visuell beeindruckende Welt mit warmen, erdigen Tönen für die französischen Szenen und kühleren Farben für die moderne Handlung. Die Aufnahmen der tschechischen Landschaften sind atemberaubend schön, manchmal fast zu perfekt. Die Kostüme und das Szenenbild transportieren authentisch das Gefühl der 1940er Jahre ohne museale Steifheit.

Ich war überrascht zu erfahren, dass hauptsächlich in Tschechien gedreht wurde. Das merkt man dem Film aber positiv an – die Landschaften haben diese mitteleuropäische Melancholie, die perfekt zur Geschichte passt.

Koenigswieser, den ich von anderen europäischen Produktionen kenne, hat ein Auge für stimmungsvolle Bilder. Die Szenen im Wald, wo sich Sara und Julien verstecken, haben eine märchenhafte Qualität – aber nicht im Disney’schen Sinne, eher wie ein düsteres Grimm-Märchen.

Besonders gelungen finde ich die Farbpalette. Die Vergangenheit ist in warme, aber auch gedämpfte Töne getaucht – viele Braun-, Orange- und Goldtöne, die an alte Fotografien erinnern. Die Gegenwart dagegen ist kühler, steriler – viel Weiß und Grau in Julians amerikanischer Welt.

Die Kostümabteilung hat großartige Arbeit geleistet. Die 1940er-Jahre-Kleidung sieht authentisch aus, ohne wie ein Kostümball zu wirken. Besonders Saras Verwandlung von der ordentlich gekleideten Schülerin zur versteckten Flüchtlingsfrau ist visuell sehr gut umgesetzt.

Mein einziger Kritikpunkt: Manchmal sind die Bilder zu schön. Es gibt Momente, wo ich dachte „Das sieht aus wie ein Werbeclip für französischen Tourismus“ statt wie ein Drama über Verfolgung und Überleben. Aber das ist Jammern auf hohem Niveau.

Wie unterstützt Thomas Newmans Musik White Bird?

Thomas Newman, der Meister emotionaler Filmmusik, komponiert für White Bird eine zurückhaltende, aber kraftvolle Partitur. Seine Musik unterstützt die emotionalen Momente, ohne sie zu überwältigen – ein schwieriger Balanceakt bei einem so gefühlsintensiven Thema. Newman verwendet französische Musikelemente und kindliche Melodien, die perfekt zu den beiden Zeitebenen passen.

Newman kenne ich seit Jahren – der Mann hat für „Findet Nemo“, „American Beauty“ und „1917“ komponiert, um nur ein paar zu nennen. Er hat diese seltene Gabe, Musik zu schreiben, die einen emotional packt, ohne aufdringlich zu werden.

Hier nutzt er hauptsächlich Streicher und Piano, ergänzt durch einzelne Holzbläser. Die Melodien sind einfach, aber einprägsam – fast wie Kinderlieder, was zur Geschichte passt. Sara erzählt ja im Grunde ein Märchen, auch wenn es ein sehr dunkles ist.

Besonders gefällt mir, wie Newman die Übergänge zwischen den Zeitebenen musikalisch gestaltet. Wenn wir von Julians moderner Welt in Saras Erinnerungen wechseln, wird die Musik wärmer, organischer. Das hilft dem Zuschauer, sich in der komplexen Erzählstruktur zurechtzufinden.

Es gibt aber auch Momente, wo ich mir mehr Zurückhaltung gewünscht hätte. Bei einigen emotionalen Höhepunkten legt Newman etwas zu dick auf – als würde er uns sagen „Hier müsst ihr weinen“. Das braucht der Film nicht, die Bilder und Performances sprechen für sich.

Was sind die Stärken von White Bird?

White Birds größte Stärke liegt in seiner ehrlichen, respektvollen Herangehensweise an schwere Themen. Der Film schafft es, eine Holocaust-Geschichte zu erzählen, ohne zu manipulieren oder zu vereinfachen. Die Botschaft über Zivilcourage und Menschlichkeit kommt natürlich rüber, die Charakterentwicklung ist glaubwürdig, und die Darstellung von Behinderung wird würdevoll behandelt. Marc Forster zeigt, dass Familienfilme auch komplexe Themen ansprechen können.

Was mich am meisten beeindruckt hat: Der Film traut seinem Publikum etwas zu. Viele Hollywood-Produktionen für Familien behandeln ihre Zuschauer wie Kleinkinder, erklären alles dreimal und machen die Moral mit dem Holzhammer deutlich.

White Bird macht das nicht. Klar, die Botschaft ist eindeutig – Mobbing ist schlecht, Mut ist wichtig, alle Menschen verdienen Respekt. Aber der Film lässt Julian (und uns) diese Erkenntnisse selbst entwickeln. Niemand hält Vorträge über Toleranz, alles ergibt sich aus der Geschichte.

Die Darstellung der Behinderung finde ich besonders gelungen. Julien ist nicht der „brave behinderte Junge“, der allen eine Lektion erteilt. Er ist ein echter Charakter mit Ecken und Kanten, der zufällig eine Behinderung hat. Seine Hilfe für Sara entspringt nicht aus Heiligenschaft, sondern aus menschlicher Anständigkeit.

Auch die Holocaust-Darstellung ist respektvoll ohne verharmlosend zu sein. Forster zeigt die Schrecken, aber nicht explizit. Kinder können den Film schauen, ohne traumatisiert zu werden, verstehen aber trotzdem die Schwere der Situation.

Die Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart funktioniert. Julian versteht durch Saras Geschichte nicht nur, warum Mobbing falsch ist, sondern auch was echter Mut bedeutet. Das ist kein billiger „Jetzt bin ich ein besserer Mensch“-Moment, sondern eine realistische Charakterentwicklung.

Wo hat White Bird seine Schwächen?

White Bird leidet manchmal unter seiner eigenen Perfektion – manche Szenen wirken zu glatt, zu schön, um wirklich authentisch zu sein. Der Film kann sich vor sentimentalen Momenten nicht immer retten, und die Parallelen zwischen Julians moderner Geschichte und Saras Kriegserlebnissen werden manchmal zu deutlich gezogen. Zudem hätte die moderne Handlungsebene mehr Entwicklungszeit vertragen können.

Mein Hauptproblem mit dem Film ist seine gelegentliche Tendenz zur Perfektion. Besonders die französischen Szenen sind manchmal zu malerisch. Wenn Sara und Julien durch den Wald wandern, sieht das aus wie ein romantisches Gemälde – aber sie sind auf der Flucht vor Nazis. Das passt nicht zusammen.

Die moderne Handlung um Julian fühlt sich manchmal unterentwickelt an. Wir erfahren, dass er gemobbt hat und von der Schule geflogen ist, aber seine Welt wirkt etwas oberflächlich. Mehr Zeit mit seiner Familie, seinen Gefühlen, seinem alltäglichen Leben hätte der Geschichte gut getan.

Manchmal wird die Parallele zwischen den beiden Zeitebenen zu offensichtlich. Julian lernt etwas über Außenseiter, indem er die Geschichte eines Außenseiters hört – das verstehe ich auch ohne dass es mir dreimal gezeigt wird.

Ein paar Szenen sind auch schlicht zu sentimental. Wenn Newman seine Streicher anschwellen lässt und die Kamera langsam auf ein tränendes Gesicht zoomt, dann merkt man: Hier soll ich emotional werden. Das funktioniert, aber es fühlt sich etwas manipulativ an.

Die Laufzeit hätte auch straffer sein können. Bei knapp zwei Stunden gibt es ein paar Längen, besonders in der Mitte des Films. Manche Szenen wiederholen Punkte, die schon klar geworden sind.

Für wen ist White Bird geeignet?

White Bird richtet sich primär an Familien mit Jugendlichen ab etwa 12 Jahren, die bereit sind, sich mit ernsten Themen auseinanderzusetzen. Der Film eignet sich hervorragend für Geschichtslehrer, die das Thema Holocaust altersgerecht behandeln wollen, sowie für alle, die „Wonder“ mochten. Auch Erwachsene, die qualitative Familiendramen schätzen, werden ihre Freude haben – vorausgesetzt, sie können mit der gelegentlichen Sentimentalität leben.

Wenn ihr „Wonder“ gemocht habt, ist White Bird ein Muss. Der Film funktioniert als eigenständige Geschichte, aber die Verbindung zum ersten Film gibt ihm zusätzliche Tiefe.

Für Familien ist das ein Film, der wichtige Gespräche anstoßen kann. Kinder ab etwa 12 Jahren können die Geschichte verstehen, ohne überfordert zu werden. Die Holocaust-Thematik wird sensibel behandelt, aber nicht verharmlost.

Geschichtslehrer werden White Bird lieben. Der Film zeigt eine Seite des Holocaust, die oft übersehen wird – das Leben in den besetzten Gebieten, die Rolle der lokalen Bevölkerung, die kleinen Akte des Widerstands. Das ist lehrreich ohne trocken zu sein.

Für Erwachsene, die gerne emotional werden: Bringt Taschentücher mit. Der Film zieht an den Herzensstrings, aber nicht billig. Helen Mirren allein ist den Kinobesuch wert.

Menschen, die schnelle, actionreiche Filme mögen, werden sich langweilen. White Bird nimmt sich Zeit für seine Geschichte, und das kann sich manchmal ziehen.

Sehr junge Kinder sollten den Film nicht schauen. Nicht wegen expliziter Gewalt, sondern weil die Themen zu komplex sind. Die Angst, Verfolgung und das Versteckspiel können überfordernd wirken.