Der Himmel über Berlin: Wenders‘ Engel und eine Stadt, die es nicht mehr gibt (1987)

Engel, die nur zuhören dürfen

Die beiden Engel Damiel und Cassiel, gespielt von Bruno Ganz und Otto Sander, bevölkern das Berlin des Jahres 1987. Sie sind unsichtbar und unsterblich, hören die Gedanken der Menschen und spenden Trost, ohne je in ihr Leben eingreifen zu können. Einen klassischen Plot gibt es nicht. Der Film besteht 128 Minuten lang aus Beobachtung, aus Stimmen, aus Blicken.

Damiel aber sehnt sich nach dem Irdischen, nach dem Geschmack von Kaffee, nach kalten Händen, nach einer einzigen sterblichen Berührung. Als er die einsame Trapezkünstlerin Marion sieht, gespielt von Solveig Dommartin, beginnt er ernsthaft darüber nachzudenken, seine Ewigkeit gegen ein Leben einzutauschen. Diese Sehnsucht ist der eigentliche Motor des Films, kein äußerer Konflikt, sondern eine innere Frage: Ist Endlichkeit ein Verlust oder ein Geschenk?

Wenders und das Neue Deutsche Kino

Wim Wenders gehört mit Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog und Volker Schlöndorff zur Generation des Neuen Deutschen Kinos, die in den 1970er Jahren das Land filmisch neu vermaß. Drei Jahre vor „Der Himmel über Berlin“ hatte Wenders mit „Paris, Texas“ 1984 in Cannes die Goldene Palme gewonnen. Danach kehrte er aus Amerika zurück, und der Engel-Film wurde seine Liebeserklärung an die geteilte Heimatstadt.

Man spürt in jeder Einstellung, dass hier einer heimkommt. Wenders war lange der große Reisende des deutschen Kinos, seine frühen Werke sind Roadmovies über Männer, die nirgends ankommen. Ausgerechnet in Berlin, dieser eingemauerten Insel, findet sein Kino zur Ruhe. Der Blick der Engel von oben auf die Stadt ist auch der Blick eines Regisseurs, der nach Jahren in der Fremde endlich wieder auf das schaut, was ihn geprägt hat. Ohne dieses biografische Fundament wäre der Film nicht denkbar, und genau deshalb wirkt er trotz aller Poesie nie beliebig.

Henri Alekan. Der Mann, der Engel sehen ließ.

Die Kamera stammt von Henri Alekan, einem Meister, der schon in den 1940er Jahren französische Klassiker fotografierte. Für Wenders zeigt er die Welt der Engel in silbrigem Schwarzweiß und die Welt der Menschen in Farbe. Der Wechsel geschieht in dem Moment, in dem Damiel sterblich wird und zum ersten Mal Blut und Himmel in Farbe sieht. Wenders bekam dafür 1987 in Cannes den Preis für die beste Regie.

Man kann gar nicht genug betonen, wie viel dieser Film seiner Bildsprache verdankt. Alekans Kamera schwebt, sie gleitet an Fassaden entlang und durch eine Bibliothek, als wäre sie selbst ein körperloses Wesen. Kein digitaler Trick, alles analog, alles handgemacht. Wer heute glaubt, Staunen im Kino brauche Millionenbudgets, sollte sich anschauen, was ein großer Kameramann 1987 mit Licht und Bewegung anstellen konnte. Diese Bilder haben Generationen von Filmemachern geprägt.

Die Bibliothek, in der die Engel sich sammeln

Eine der berühmtesten Szenen spielt in der Berliner Staatsbibliothek. Dort versammeln sich die Engel zwischen den Lesenden und hören dem stummen Murmeln der Gedanken zu, das sich zu einem vielstimmigen Chor verdichtet. Es ist eine Idee von schlichter Größe: Der Ort des Wissens wird zum Ort, an dem alle Einsamkeit der Stadt zusammenläuft.

Diese Sequenz zeigt, worum es Wenders wirklich geht. Nicht um Spannung, sondern um Empathie, um das Zuhören als höchste Form der Zuwendung. Die Engel können nichts tun, außer da zu sein und eine Hand auf eine Schulter zu legen, die niemand spürt. Ich kenne wenige Filme, die das Mitgefühl so unmittelbar zum Thema machen, ohne je sentimental zu werden. Wer einmal erlebt hat, wie dieser Gedankenchor über die Leinwand schwappt, vergisst ihn nicht wieder. Es ist der Moment, in dem der Film seine ganze Haltung offenlegt.

Bruno Ganz will sterblich werden

Bruno Ganz spielt Damiel mit einer Zärtlichkeit, die kein zweiter deutscher Schauspieler seiner Zeit so hinbekommen hätte. Otto Sander gibt seinem Engel Cassiel eine tiefere Melancholie, weil er zurückbleibt, während der Freund geht. Beide tragen dunkle Mäntel und einen zusammengebundenen Zopf, und beide wirken nie kitschig, sondern einfach müde und weise.

Ein Höhepunkt ist Curt Bois als greiser Erzähler Homer, der über den verwüsteten Potsdamer Platz irrt und eine Zeit sucht, die der Krieg ausradiert hat. Bois war damals schon über neunzig und ein lebendes Stück Filmgeschichte. Und dann ist da Peter Falk, der sich selbst spielt, einen Schauspieler, der einst ein Engel war und Mensch wurde. Sein Satz an den unsichtbaren Damiel, er könne ihn zwar nicht sehen, wisse aber, dass er da sei, gehört zu den schönsten Momenten des Films. Solveig Dommartins Marion bleibt daneben etwas blass, auch wenn die Schauspielerin ihre Trapeznummern selbst gedreht und dafür lange trainiert hat. Ihre Figur ist weniger ein Mensch als ein Sehnsuchtsbild, und das ist die eine erzählerische Schwäche, die sich der Film leistet.

Ein Berlin, das zwei Jahre später verschwand

Gedreht wurde 1987, also zwei Jahre vor dem Fall der Mauer. Der Film zeigt ein geteiltes Berlin mit Todesstreifen, Brachen und Wunden, das es in dieser Form seit 1989 nicht mehr gibt. Damit ist „Der Himmel über Berlin“ heute auch ein unbeabsichtigtes Zeitdokument, ein Blick auf eine Stadt kurz vor ihrer größten Veränderung.

Diese historische Aufladung hatte Wenders 1987 gar nicht planen können, und trotzdem ist sie heute Teil der Wirkung. Wenn Homer über den leeren Potsdamer Platz stolpert, wo damals nur Sand und Mauer waren, sieht man eine Leerstelle, die längst wieder zugebaut ist. Der Film hält einen Moment fest, in dem die deutsche Geschichte den Atem anhielt. Wer Berlin kennt, schaut ihn mit einem doppelten Blick, halb Kino, halb Erinnerung an eine untergegangene Welt.

Peter Handkes Poesie trägt den Film

Das Drehbuch schrieb Wenders zusammen mit dem Schriftsteller Peter Handke, und man hört es in jeder Zeile. Der wiederkehrende Vers „Als das Kind Kind war“ zieht sich wie ein Gebet durch den Film und fasst seine ganze Sehnsucht nach Unschuld in wenige Worte. Die Musik von Jürgen Knieper legt sich zurückhaltend darunter, ohne je die Stille zu übertönen.

Man muss diese Sprache mögen, das gebe ich zu. Wer im Kino Handlung erwartet, wird von den langen inneren Monologen ausgebremst. Ich dagegen liebe genau das, weil es Kino als Literatur denkt, nicht als Achterbahn. Zwischendurch holt Wenders die Gegenwart herein, etwa wenn Marion einem Konzert von Nick Cave und den Bad Seeds lauscht. Dieser Kontrast aus zeitloser Poesie und rauem Berliner Nachtleben ist genau die Mischung, die den Film lebendig hält und ihn davor bewahrt, ein Museumsstück zu werden.

Was der Film heute noch kann, und wo er hakt

Ganz ehrlich, mühelos ist dieser Film nicht. Die Liebesgeschichte zwischen Damiel und Marion kommt spät und bleibt schmaler als die philosophische Grundfrage. Marions großer Monolog am Ende ist wunderschön formuliert, aber er erklärt ein Gefühl, das der Film bis dahin viel eleganter gezeigt hatte. An dieser Stelle wird aus Andeutung plötzlich Ansage.

Wer wissen will, wie man denselben Stoff glattbügelt, muss nur das Hollywood-Remake „City of Angels“ von 1998 mit Nicolas Cage danebenlegen. Dort wird aus der leisen Frage nach der Sterblichkeit eine große Romanze mit tragischem Ende. Das ist nicht schlecht gemacht, aber es zeigt, wie viel Mut Wenders hatte, die Dinge offen zu lassen. Übrigens drehte er 1993 mit „In weiter Ferne, so nah!“ selbst eine Fortsetzung, die in Cannes den großen Preis der Jury gewann, ohne je die Magie des ersten Teils zu erreichen.

Warum ich ihn zum Kanon zähle

Fast vier Jahrzehnte später steht „Der Himmel über Berlin“ da wie ein Solitär. Er hat keine Nachahmer im eigentlichen Sinn, weil kaum jemand den Mut zu solcher Langsamkeit aufbringt. Wer deutsches Autorenkino verstehen will, kommt an Wenders und an diesem Film nicht vorbei. Ich würde ihn niemandem müde nach Feierabend empfehlen, sondern nur mit Zeit, Ruhe und der Bereitschaft, sich tragen zu lassen. Man sollte ihn im abgedunkelten Zimmer sehen, ohne Telefon, am besten in der restaurierten Fassung, damit Alekans Grautöne wirklich leuchten. Es ist ein Film, den man nicht konsumiert, sondern mit dem man eine Weile lebt. Ich habe Menschen erlebt, die nach der ersten Sichtung ratlos aus dem Kino kamen und ihn Jahre später als einen ihrer liebsten Filme bezeichneten. So etwas schafft nur großes Kino, das sich nicht anbiedert. Wer danach mehr will, findet bei uns weitere Dramen, dazu das ernste deutsche Gegenwartskino von Amrum und Sterben, den zeitlosen Liebesklassiker Casablanca und die Serie Babylon Berlin als ganz anderen Blick auf die Stadt. Einen Gesamtüberblick gibt es unter alle Filme.

Mehr Hintergrund steht in der deutschen Wikipedia, und die Wim Wenders Stiftung dokumentiert die Restaurierung und Entstehung des Films.